Composición
EN LA PINTURA
La pintura es una de las manifestaciones artísticas más antiguas. Los hombres han pintado a lo largo del tiempo con múltiples medios y diferentes fines y objetivos con una gran diversidad de formas y significados en la pintura; sin embargo, esta es en cuanto objeto, una superficie plana cubierta de líneas, puntos y colores dispuestos según un orden determinado. A ese orden se le llama composición.
En seguida comenzaremos la revisión de los principales elementos de la composición en el plano.
ESPACIO
La manera en que percibimos nuestro entorno tiene componentes fisiológicos y culturales, radica en la manera de que el recorrido visual de una imagen determina la percepción del espectador en lo general y el impacto que cada uno de sus elementos provoca según su ubicación en el espacio.
FORMATO
En artes plásticas se denomina asi a la forma y proporción del espacio en que está plasmada la obra en la pintura. Esta forma puede corresponder a figuras geométricas regulares (cuadros, rectángulos, círculos, óvalos, pentágonos, etcétera) o irregulares.
La proporción de estas figuras se refiere a su tamaño y a la relación entre altura y longitud. Estas características del plano, forma, tamaño y proporción repercuten en la composición de las obras; los elementos de la imagen se distribuyen e interactúan entre sí de diferente manera según sea el formato. Es por esto que el formato es el primer punto que toma en cuenta el artista en el momento de determinar la composición.
SECCION ÁUREA
Existe una proporción en las formas que desde la antigüedad ha sido considerada de equilibrio armónico. Se le conoce como relación de oro o sección áurea y esta presente en muchas formas de la naturaleza. La sección áurea tiene relación con una sucesión matemática determinada.
Han sido utilizadas para determinar formatos y dividir el espacio en las obras de arte. Desde el siglo v antes de cristo los arquitectos griegos utilizaban concientemente esta proporción que aún permanece en el arte contemporáneo.
EQUILIBRIO
Una de las principales características de los seres humanos es la postura erguida, de hecho es una de las claves de su evolución. La verticalidad física y psicológica del hombre se contrapone a la tendencia horizontal del entorno. Esta relación constituye el sentido del equilibrio. Que es la influencia más fuerte y primaria sobre la percepción humana. A partir de ella hacemos juicios visuales. De manera innata, ante una variación en la percepción de verticalidad, buscamos el contrapeso que equilibre el desajuste. Lo mismo ocurre con una composición bidimensional.
En la pintura el espectador ubica de manera natural un eje vertical y su contraparte en el horizonte esta es una constante inconsciente. En ocasiones la imagen consta de un mínimo de elementos y esto contribuye a que la relación verticalidad-horizontalidad sea el punto más destacable de la composición.
TENSIÓN
En una imagen puede haber líneas que surjan o se contrapongan al eje vertical y alteren visualmente el equilibrio. Estas son conocidas como líneas de tensión. Es común encontrar composiciones que parten de una fuerte línea diagonal que desequilibra el espacio y lo pone en movimiento.
CONTRAPESO
De manera similar al funcionamiento de las palancas, donde un pequeño peso puede desplazar otro mucho mayor, en la pintura un elemento dispuesto en contrapeso con una línea de tensión. Aun siendo de menor tamaño, sirve para contrarrestar la fuerza de ésta y restablecer el equilibrio perdido.
NUDOS
Los nudos son puntos alrededor de los cuales se organizan elementos y tienen como fin hacer que la mirada converja en ellos para contextualizar el resto de la imagen, los nudos pueden ofrecer un descanso, alterar la calma o marcar la tónica de la composición. En ocasiones se ubican en puntos donde convergen líneas de estructura o se utilizan para enriquecer una zona desprotegida de la obra. De esta manera los nudos refuerzan el significado que el artista quiere transmitir en su obra.
SIMETRÍA
Se le llama simetría a la repetición regular de elementos con respecto de uno o más ejes. La más común de las simetrías es la bilateral. En donde al igual que un espejo la imagen se duplica con un eje en medio. Esta no es la única clase de simetría que existe, podemos mencionar la radial, la de rotación y la de traslación.
RITMO
En composición se denomina ritmo a la alternancia de elementos que forma un patrón y brinda al conjunto su carácter: dinámico o estático.
ANÁLISIS DE LA COMPOSICIÓN
Los diferentes elementos vistos hasta aquí son algunos de los que intervienen en las composiciones plásticas en el plano. Analizar una obra desde el punto de vista de su composición no guarda relación directa con los valores plásticos de la obra. Estos son una suma de intenciones, propuestas y ejecución.
LA FUNCION EDUCATIVA DE LA FOTOGRAFIA
EL ASCENSO DE LA FOTOGRAFIA.
La fotografía desde sus primeros tiempos se ganó un lugar en la sociedad. Durante los primeros años del daguerrotipo, entre 1839 y 1850, la sociedad quedó asombrada por el invento y muchos se apresuraron a conseguir sus retratos, exquisitamente dispuestos en estuches forrados de cuero y terciopelo del tamaño de una cartera.
Gracias a estas imágenes podemos la vida cotidiana del sigo XIX. Las imágenes fotográficas impresas sobre papel, montadas en hermosos álbumes, reproducían las maravillas arquitectónicas del mundo antiguo. Las fotografías circularon entre la sociedad a manera de álbumes, conjunto de vistas estereoscópicas (tercera dimensión) que se ofrecían por suscripción, acompañadas por un visor especial para apreciar el volumen virtual de la imagen.
Las ópticas vendían los objetos y accesorios para lanzarse al que hacer de las imágenes. Había manuales, guías e instructivos para adquirir la mayor de las destrezas en la técnica y en el arte de la fotografía. También hubo la intención, desde el principio, de ver la fotografía como una expresión artística, como un espacio para la ficción, más allá del mero retrato o de la funcion documental, la tendencia artística de la fotografía se extendió entre los intelectuales y artistas plásticos de la época.
APORTACIONES DE LOS HOMBRES DE CIENCIA A LA FOTOGRAFIA.
Sir John Herschel, inglés, aconsejo usar el hiposulfito de sodio para fijar imágenes formadas por plata.
Otro inglés, Henry Fox Tablot, desarrolló de manera simultánea al daguerrotipo el proceso fotográfico llamado calotipo.
El austriaco, Josef-Max Petzval, mejoro las lentes. Diseño una lente formaba una imagen 22 veces más brillante que las obtenidas con las lentes de la época.
Por ultimo debemos mencionar al francés Hypolite Bayard, obtuvo imágenes positivas sobre el papel.
CIENCIA, IMÁGENES Y CONOCIMIENTO.
La fotografía pronto se aplico a la astronomía. En 1874 el astrónomo francés Janssen diseño un revólver fotográfico guiado por un sistema de relojería; de esta manera logró atrapar imágenes que describían la trayectoria de los cuerpos celestes en su lento paso por la bóveda, entre ellas, el tránsito de Venus.
La fotografía se adopto a los microscopios y se obtuvieron imágenes de microorganismos; además, se documentaron especies animales y vegetales.
Así nació la fotografía científica, con anhelo de registrar el conocimiento humano.
INDUSTRIA Y TECNOLOGIA FOTOGRAFICA.
Los conocimientos desarrollados durante la revolución industrial beneficiaron pronto a la fotografía. Se perfeccionaron las cámaras y sus lentes; las emulsiones y la química fotográfica mejoraron con celeridad.
Un elemento muy importante en la industria fotográfica es el plástico, conocido técnicamente como nitrato de celulosa. La celulosa se obtiene luego de disolver grandes cantidades de nitroglicerina, de ahí nace su nombre: nitrato de celulosa, el material es tan transparente como el vidrio, muy resistente y flexible. Sus características permitieron la fabricación de rollos y hojas de película fotográfica, aplicación que hizo posible los equipos fotográficos totalmente portátiles.
Este avance condujo a la invención del cinematógrafo, en 1895, la fotografía fija paso a hacer una imagen en movimiento proyectada en una pantalla mayor que la escala humana y que producía una tercera dimensión visual.
Las artes graficas se enriquecieron con estas aplicaciones que facilitaron el trabajo de la publicidad y de los medios de comunicación gráficos en general
Los temas fotográficos se diversificaron, los fotógrafos ya no se conformaban con establecer un estudio y esperar a sus clientes, levantaron anclas y se fueron a donde había algo interesante que mostrar a donde la fotografía de encargo se solicitaba. Asi nacieron el fotorreportaje, el fotoperiodismo, la fotografía criminalística, la arquitectónica, las imágenes médicas, la fotografía industrial, la publicitaria, la comercial la reproducción de arte y las muy populares postales.
Los medios masivos y de comunicación son los divulgadores más eficientes y poderosos de las imágenes.
LA LECTURA DE LAS IMÁGENES
¿QUÉ ES UNA IMAGEN?
Una imagen es una representación de una proporción de la realidad. Una imagen es un símil, está en lugar de algo o de alguien, lo representa. Pero nunca podrá sustituirlo. Una imagen es una referencia visual.
Una imagen fotográfica es la selección de un pedazo de la realidad. El fotógrafo selecciona esa porción para atraparla en la película. El hacedor de imágenes ve a través de su cámara un encuadre, delimita el conjunto de elementos que ocupará el área de la fotografía.
Por lo tanto, el fotógrafo moverá su cámara de un lado a otro, buscará el mejor ángulo, se acercará y se alejará de los elementos para examinar al máximo sus cualidades plásticas. Buscara que estas cualidades expresen el color. La proporción, el contrates, el reflejo de la luz que cae sobre los elementos; buscará afanosamente analizar la textura. El fotógrafo hará que el conjunto armonice de acuerdo con la idea que había concebido, es decir con su intención.
Para leer una imagen estamos armados de nuestra experiencia cultural, es decir, el cúmulo de conocimientos que hemos ido adquiriendo. De esta manera nos encontramos ante un conocimiento objetivo y otro subjetivo.
EL ANALISIS OBJETIVO DE UNA IMAGEN.
Ya vimos que el fotógrafo ha recortado con su cámara una porción de la realidad, atrapándola con su lente en un pedazo de papel de película que luego imprimirá en papel. Este hacedor de imágenes ofrecerá una copia del encuadre que estableció al disparar su cámara, y al espectador le toca examinar la imagen y descubrir poco a poco sus características visuales. Este análisis se basa en los propios elementos que forman la imagen. Es decir, se lee la imagen. Valorando sus elementos.
LOS TIPOS DE ENCUADRE.
Primero intentamos identificar el tipo de encuadre. Es decir, la distancia que separa al fotógrafo del sujeto que va a fotografiar. Hay tres tipos básicos de encuadre que llamaremos:
*Planos generales.
*Planos medios.
*Primeros planos o acercamientos muy pronunciados (algunos autores los denominan primerísimos planos).
LOS ANGULOS DE LA TOMA O PUNTO DE VISTA.
Una vez que sabemos cual es el tipo de encuadre, tenemos que averiguar cual es el punto de vista o ángulo que eligió el fotógrafo. Para ello debemos preguntarnos donde pudo haberse colocado para realizar la toma. Hay cuatro angulaciones básicas y una toma sin ángulo o frontal:
*Toma frontal, es decir, sin angulación alguna.
*Angulación lateral derecha: toma diagonal de derecha a izquierda.
*Angulación lateral izquierda: toma diagonal de izquierda a derecha.
*Angulo en picada: toma del sujeto de arriba abajo.
*Angulo en contrapicada: toma del sujeto de abajo arriba.
ICONICIDAD Y SIGNIFICADO DE LA IMAGEN.
Ahora toca introducir un concepto nuevo muy pronto de las imágenes: la iconiciedad. Una imagen es icónica cuando representa tal cual la realidad. Las imágenes poco icónicas son muy sugerentes. Con muchos significados posibles, con diversas asociaciones. Nuestra maquinaria visual y mental nos indicará varias opciones para decodificarlas y asimilarlas.
¿CÓMO USAR LA FOTOGRAFIA EN EL SALON DE CLASES?
Quizá en este punto del texto el lector se encuentre motivado para hablar con sus alumnos del modelo de análisis de imágenes y practicarlo; talvez hasta ha comentado algunos detalles de la historia de la fotografía. Estas dos ocasiones son algunas de las que pueden llevarse a cabo con la fotografía en el salón de clases. Sin embargo, hay otras iniciativas dignas de compartir.
LAS POSTALES, FOTOGRAFIAS DE AYER Y HOY.
Todos tenemos a la mano las populares tarjetas postales; su función es múltiple: son imágenes que nos muestran otros lugares, a veces desconocidos y lejanos, y materializan el deseo del viajero por compartir su experiencia. La postal es un medio de comunicación pues permite compartir y conocer la suerte del remitente, y también muestra la ausencia de alguien o algo. Y esto es lo que nos permite establecer vínculos entre imágenes (las postales) y conocimientos.
La pintura es una de las manifestaciones artísticas más antiguas. Los hombres han pintado a lo largo del tiempo con múltiples medios y diferentes fines y objetivos con una gran diversidad de formas y significados en la pintura; sin embargo, esta es en cuanto objeto, una superficie plana cubierta de líneas, puntos y colores dispuestos según un orden determinado. A ese orden se le llama composición.
En seguida comenzaremos la revisión de los principales elementos de la composición en el plano.
ESPACIO
La manera en que percibimos nuestro entorno tiene componentes fisiológicos y culturales, radica en la manera de que el recorrido visual de una imagen determina la percepción del espectador en lo general y el impacto que cada uno de sus elementos provoca según su ubicación en el espacio.
FORMATO
En artes plásticas se denomina asi a la forma y proporción del espacio en que está plasmada la obra en la pintura. Esta forma puede corresponder a figuras geométricas regulares (cuadros, rectángulos, círculos, óvalos, pentágonos, etcétera) o irregulares.
La proporción de estas figuras se refiere a su tamaño y a la relación entre altura y longitud. Estas características del plano, forma, tamaño y proporción repercuten en la composición de las obras; los elementos de la imagen se distribuyen e interactúan entre sí de diferente manera según sea el formato. Es por esto que el formato es el primer punto que toma en cuenta el artista en el momento de determinar la composición.
SECCION ÁUREA
Existe una proporción en las formas que desde la antigüedad ha sido considerada de equilibrio armónico. Se le conoce como relación de oro o sección áurea y esta presente en muchas formas de la naturaleza. La sección áurea tiene relación con una sucesión matemática determinada.
Han sido utilizadas para determinar formatos y dividir el espacio en las obras de arte. Desde el siglo v antes de cristo los arquitectos griegos utilizaban concientemente esta proporción que aún permanece en el arte contemporáneo.
EQUILIBRIO
Una de las principales características de los seres humanos es la postura erguida, de hecho es una de las claves de su evolución. La verticalidad física y psicológica del hombre se contrapone a la tendencia horizontal del entorno. Esta relación constituye el sentido del equilibrio. Que es la influencia más fuerte y primaria sobre la percepción humana. A partir de ella hacemos juicios visuales. De manera innata, ante una variación en la percepción de verticalidad, buscamos el contrapeso que equilibre el desajuste. Lo mismo ocurre con una composición bidimensional.
En la pintura el espectador ubica de manera natural un eje vertical y su contraparte en el horizonte esta es una constante inconsciente. En ocasiones la imagen consta de un mínimo de elementos y esto contribuye a que la relación verticalidad-horizontalidad sea el punto más destacable de la composición.
TENSIÓN
En una imagen puede haber líneas que surjan o se contrapongan al eje vertical y alteren visualmente el equilibrio. Estas son conocidas como líneas de tensión. Es común encontrar composiciones que parten de una fuerte línea diagonal que desequilibra el espacio y lo pone en movimiento.
CONTRAPESO
De manera similar al funcionamiento de las palancas, donde un pequeño peso puede desplazar otro mucho mayor, en la pintura un elemento dispuesto en contrapeso con una línea de tensión. Aun siendo de menor tamaño, sirve para contrarrestar la fuerza de ésta y restablecer el equilibrio perdido.
NUDOS
Los nudos son puntos alrededor de los cuales se organizan elementos y tienen como fin hacer que la mirada converja en ellos para contextualizar el resto de la imagen, los nudos pueden ofrecer un descanso, alterar la calma o marcar la tónica de la composición. En ocasiones se ubican en puntos donde convergen líneas de estructura o se utilizan para enriquecer una zona desprotegida de la obra. De esta manera los nudos refuerzan el significado que el artista quiere transmitir en su obra.
SIMETRÍA
Se le llama simetría a la repetición regular de elementos con respecto de uno o más ejes. La más común de las simetrías es la bilateral. En donde al igual que un espejo la imagen se duplica con un eje en medio. Esta no es la única clase de simetría que existe, podemos mencionar la radial, la de rotación y la de traslación.
RITMO
En composición se denomina ritmo a la alternancia de elementos que forma un patrón y brinda al conjunto su carácter: dinámico o estático.
ANÁLISIS DE LA COMPOSICIÓN
Los diferentes elementos vistos hasta aquí son algunos de los que intervienen en las composiciones plásticas en el plano. Analizar una obra desde el punto de vista de su composición no guarda relación directa con los valores plásticos de la obra. Estos son una suma de intenciones, propuestas y ejecución.
LA FUNCION EDUCATIVA DE LA FOTOGRAFIA
EL ASCENSO DE LA FOTOGRAFIA.
La fotografía desde sus primeros tiempos se ganó un lugar en la sociedad. Durante los primeros años del daguerrotipo, entre 1839 y 1850, la sociedad quedó asombrada por el invento y muchos se apresuraron a conseguir sus retratos, exquisitamente dispuestos en estuches forrados de cuero y terciopelo del tamaño de una cartera.
Gracias a estas imágenes podemos la vida cotidiana del sigo XIX. Las imágenes fotográficas impresas sobre papel, montadas en hermosos álbumes, reproducían las maravillas arquitectónicas del mundo antiguo. Las fotografías circularon entre la sociedad a manera de álbumes, conjunto de vistas estereoscópicas (tercera dimensión) que se ofrecían por suscripción, acompañadas por un visor especial para apreciar el volumen virtual de la imagen.
Las ópticas vendían los objetos y accesorios para lanzarse al que hacer de las imágenes. Había manuales, guías e instructivos para adquirir la mayor de las destrezas en la técnica y en el arte de la fotografía. También hubo la intención, desde el principio, de ver la fotografía como una expresión artística, como un espacio para la ficción, más allá del mero retrato o de la funcion documental, la tendencia artística de la fotografía se extendió entre los intelectuales y artistas plásticos de la época.
APORTACIONES DE LOS HOMBRES DE CIENCIA A LA FOTOGRAFIA.
Sir John Herschel, inglés, aconsejo usar el hiposulfito de sodio para fijar imágenes formadas por plata.
Otro inglés, Henry Fox Tablot, desarrolló de manera simultánea al daguerrotipo el proceso fotográfico llamado calotipo.
El austriaco, Josef-Max Petzval, mejoro las lentes. Diseño una lente formaba una imagen 22 veces más brillante que las obtenidas con las lentes de la época.
Por ultimo debemos mencionar al francés Hypolite Bayard, obtuvo imágenes positivas sobre el papel.
CIENCIA, IMÁGENES Y CONOCIMIENTO.
La fotografía pronto se aplico a la astronomía. En 1874 el astrónomo francés Janssen diseño un revólver fotográfico guiado por un sistema de relojería; de esta manera logró atrapar imágenes que describían la trayectoria de los cuerpos celestes en su lento paso por la bóveda, entre ellas, el tránsito de Venus.
La fotografía se adopto a los microscopios y se obtuvieron imágenes de microorganismos; además, se documentaron especies animales y vegetales.
Así nació la fotografía científica, con anhelo de registrar el conocimiento humano.
INDUSTRIA Y TECNOLOGIA FOTOGRAFICA.
Los conocimientos desarrollados durante la revolución industrial beneficiaron pronto a la fotografía. Se perfeccionaron las cámaras y sus lentes; las emulsiones y la química fotográfica mejoraron con celeridad.
Un elemento muy importante en la industria fotográfica es el plástico, conocido técnicamente como nitrato de celulosa. La celulosa se obtiene luego de disolver grandes cantidades de nitroglicerina, de ahí nace su nombre: nitrato de celulosa, el material es tan transparente como el vidrio, muy resistente y flexible. Sus características permitieron la fabricación de rollos y hojas de película fotográfica, aplicación que hizo posible los equipos fotográficos totalmente portátiles.
Este avance condujo a la invención del cinematógrafo, en 1895, la fotografía fija paso a hacer una imagen en movimiento proyectada en una pantalla mayor que la escala humana y que producía una tercera dimensión visual.
Las artes graficas se enriquecieron con estas aplicaciones que facilitaron el trabajo de la publicidad y de los medios de comunicación gráficos en general
Los temas fotográficos se diversificaron, los fotógrafos ya no se conformaban con establecer un estudio y esperar a sus clientes, levantaron anclas y se fueron a donde había algo interesante que mostrar a donde la fotografía de encargo se solicitaba. Asi nacieron el fotorreportaje, el fotoperiodismo, la fotografía criminalística, la arquitectónica, las imágenes médicas, la fotografía industrial, la publicitaria, la comercial la reproducción de arte y las muy populares postales.
Los medios masivos y de comunicación son los divulgadores más eficientes y poderosos de las imágenes.
LA LECTURA DE LAS IMÁGENES
¿QUÉ ES UNA IMAGEN?
Una imagen es una representación de una proporción de la realidad. Una imagen es un símil, está en lugar de algo o de alguien, lo representa. Pero nunca podrá sustituirlo. Una imagen es una referencia visual.
Una imagen fotográfica es la selección de un pedazo de la realidad. El fotógrafo selecciona esa porción para atraparla en la película. El hacedor de imágenes ve a través de su cámara un encuadre, delimita el conjunto de elementos que ocupará el área de la fotografía.
Por lo tanto, el fotógrafo moverá su cámara de un lado a otro, buscará el mejor ángulo, se acercará y se alejará de los elementos para examinar al máximo sus cualidades plásticas. Buscara que estas cualidades expresen el color. La proporción, el contrates, el reflejo de la luz que cae sobre los elementos; buscará afanosamente analizar la textura. El fotógrafo hará que el conjunto armonice de acuerdo con la idea que había concebido, es decir con su intención.
Para leer una imagen estamos armados de nuestra experiencia cultural, es decir, el cúmulo de conocimientos que hemos ido adquiriendo. De esta manera nos encontramos ante un conocimiento objetivo y otro subjetivo.
EL ANALISIS OBJETIVO DE UNA IMAGEN.
Ya vimos que el fotógrafo ha recortado con su cámara una porción de la realidad, atrapándola con su lente en un pedazo de papel de película que luego imprimirá en papel. Este hacedor de imágenes ofrecerá una copia del encuadre que estableció al disparar su cámara, y al espectador le toca examinar la imagen y descubrir poco a poco sus características visuales. Este análisis se basa en los propios elementos que forman la imagen. Es decir, se lee la imagen. Valorando sus elementos.
LOS TIPOS DE ENCUADRE.
Primero intentamos identificar el tipo de encuadre. Es decir, la distancia que separa al fotógrafo del sujeto que va a fotografiar. Hay tres tipos básicos de encuadre que llamaremos:
*Planos generales.
*Planos medios.
*Primeros planos o acercamientos muy pronunciados (algunos autores los denominan primerísimos planos).
LOS ANGULOS DE LA TOMA O PUNTO DE VISTA.
Una vez que sabemos cual es el tipo de encuadre, tenemos que averiguar cual es el punto de vista o ángulo que eligió el fotógrafo. Para ello debemos preguntarnos donde pudo haberse colocado para realizar la toma. Hay cuatro angulaciones básicas y una toma sin ángulo o frontal:
*Toma frontal, es decir, sin angulación alguna.
*Angulación lateral derecha: toma diagonal de derecha a izquierda.
*Angulación lateral izquierda: toma diagonal de izquierda a derecha.
*Angulo en picada: toma del sujeto de arriba abajo.
*Angulo en contrapicada: toma del sujeto de abajo arriba.
ICONICIDAD Y SIGNIFICADO DE LA IMAGEN.
Ahora toca introducir un concepto nuevo muy pronto de las imágenes: la iconiciedad. Una imagen es icónica cuando representa tal cual la realidad. Las imágenes poco icónicas son muy sugerentes. Con muchos significados posibles, con diversas asociaciones. Nuestra maquinaria visual y mental nos indicará varias opciones para decodificarlas y asimilarlas.
¿CÓMO USAR LA FOTOGRAFIA EN EL SALON DE CLASES?
Quizá en este punto del texto el lector se encuentre motivado para hablar con sus alumnos del modelo de análisis de imágenes y practicarlo; talvez hasta ha comentado algunos detalles de la historia de la fotografía. Estas dos ocasiones son algunas de las que pueden llevarse a cabo con la fotografía en el salón de clases. Sin embargo, hay otras iniciativas dignas de compartir.
LAS POSTALES, FOTOGRAFIAS DE AYER Y HOY.
Todos tenemos a la mano las populares tarjetas postales; su función es múltiple: son imágenes que nos muestran otros lugares, a veces desconocidos y lejanos, y materializan el deseo del viajero por compartir su experiencia. La postal es un medio de comunicación pues permite compartir y conocer la suerte del remitente, y también muestra la ausencia de alguien o algo. Y esto es lo que nos permite establecer vínculos entre imágenes (las postales) y conocimientos.
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